Awaken, North Wind! - Doubt (2009)

"We are the music makers, and we are the dreamers of dreams."

Mit dem als Intro fungierenden Titeltrack „Doubt“ lassen die fünf Menschen aus Pennsylvania bei mir schon mal große Hoffnung aufkommen. Elektronische Rhythmen mit sphärischen Gitarren. Doch es wird ganz anders…

Es wird nämlich nun mit moderner Rockmusik aufgefahren, die meinem Wissen nach oft als Post-Hardcore betitelt wird. Es ist nur alles ein bisschen sachter, was zum einen auf den ständigen Klaviereinsatz zum anderen auf die fehlenden Screams und Shouts zurückzuführen ist. Man wird ein klein wenig an Chiodos erinnert nur ohne nervenaufreibende Stimme und übermäßigen Theatralismus. Das erste Mal wird bei „Melody“ halt gemacht. Eine zuckersüße Akustik Ballade die nicht, wie bei so vielen anderen Bands dieser Richtung, in Kitsch abdriftet. Danach wird das nun schon bekannte Konzept weitergeführt: Ohrwurmmelodien mit ergreifendem Gesang und Klavieruntermalung. Das ganze ist jedoch so klasse gemacht dass man sich gar nicht vorstellen kann warum Awaken, North Wind! nicht ganz oben mitmischen! Sobald das Gewitter bei „Vultures“ einsetzt zeigt sich die Band ruhiger als zuvor. Balladenhafter und nachdenklicher führen sie einen weiter, aber es wartet immer schon der Ausbruch am Ende, der alle Energien entlädt um sie ruhig und langsam beim nächsten Stück wieder aufzuladen. Der letzte Song „Afraid“ ist wahrscheinlich das zukunftsweisende Stück von Awaken, North Wind!. In den elfeinhalb Minuten wird alles zusammengelegt was zuvor geboten wurde und noch mehr. Geigen, Pauken, Kirchenglocken und zum ersten Mal nun auch Schreigesang. Episch!

Awaken, North Wind! sollte viel mehr Aufmerksamkeit zuteil werden. Für mich wirklich unverständlich warum sie bis dato so „unentdeckt“ sind. Nicht einmal 100 Hörer bei Last.fm, mehr muss ich nicht mehr sagen, außer:
Holt euch Awaken, North Wind! , ein echter Geheimtipp!

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"We are the music makers, and we are the dreamers of dreams."

While Doubt, the title-track, serves as an intro, 5 people from Pennsylvania let the hope inside me swell instantly. Electronic rhythms, paired with atmospherical guitars. But it will change...

This happens through the appearence of modern rock-music, which is, to my knowledge, often entitled as Post-Hardcore. However, everything feels a little smoother, which is ascribed to the permanent use of piano, on the one hand, and the lack of screams and shouts on the other. One might come to think of Chiodos, minus the nerve-wracking voice and excessive theatricalism.

"Melody" offers the first stop. A sickly-sweet acoustic ballad, which won't, unlike other band's songs in this genre, come off as cheesy. Afterwards, the known concept is carried on: catchy tunes, with captivating vocals and piano-background. This is takes place in such a beautiful way, that one can not comprehend, why Awaken, North Wind! is not a factor front and center. The moment the thunderstorm enters in "Vultures", the band apprears more quiet than before. More ballad-like and meditatively they push you along, but the explosion at the end is still waiting, unloading all the energy, just to be re-charged in the next song. The last song "Afraid" is possible the band's most foreward-looking one. In eleven and a half minutes everything, that was featured in the past, is put together - with even alot more. Violins, kettledrums, church-bells and - for the first time - screaming. Epic!

Awaken, North Wind! deserve a lot more attention. It is truely incomprehensible, why they're so "undiscovered" to date. With less than 100 listeners on Last.fm, I do not have to say more, but:
Get Awaken, North Wind!, a true insider tipp!

Genre: Post-Hardcore, Indie, Progressive
256 kbit/s
(48:52)

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Anoroc - Antigone (2007)

Wer sich mit dieser Musikrichtung besser auskennt wird sich nicht schwer tun Anoroc zu schubladisieren. Da ich in diese Richtung leider nur wenig kenne, ist es schwer für mich sie einzuordnen. In erster Linie fallen mir aber beim Hören gewisse Züge von Dispatch, Incubus oder auch Pearl Jam auf. Das sind auch 3 Bands, die ich sehr zu schätzen weiß und die mit Gewissheit auch Einfluss auf den Sound von Anoroc hatten, haben und in Zukunft auch haben werden.

Bereits vor einigen Jahren, als ich Anoroc zum ersten Mal bei einem Band Contest in Innsbruck live erleben durfte, haben sich diese durch ihre Aufrichtigkeit der Musik gegenüber immens aus der Masse hervorgehoben - ein Gefühl, das auch diese CD zu vermitteln versucht. Die professionelle Aufnahme, die sich auf dem Debüt findet, überzeugt bereits beim ersten Einlegen der CD in den Player. Die Texte sind gut überlegt und noch besser gesungen, sehr gute Arrangements und funkige Gitarren. Genau die richtige Abwechslung zum fordernden Sound, der sonst auf diesem Blog vorgestellt wird.

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Someone who is well versed with this genre won’t have difficulties to classify Anoroc. But it’s really hard for me to relate to this music because I know only a few bands like this. First and foremost my attention is attracted by certain lineaments from bands like Dispatch, Incubus and also Pearl Jam. Three bands I really appreciate and had (and will continue to have) a bearing on the sound of Anoroc for sure.

A few years ago I saw Anoroc the first time at a band-contest in Innsbruck. They were highlighting themselves out of the crowd with their honesty of making music. A feeling that also their debut CD knows to interfere. The professional production of Antigone makes sure to excite from the very first moment. The lyrics are deliberate and very well performed, excellent arrangements and funky guitars. The perfect alternative to the quite demanding your introduced to here elsewise.

Genre: Funk Rock, Rock
320 kbit/s (CBR)
(42:10)

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Coma Cluster - Coma Cluster (2009)

Gegen den Rest der Welt

Laut den letzten Schätzungen sind etwa 260 Millionen Menschen auf Myspace registriert. Einer davon ist Chris aus den Vereinigten Staaten, der unter dem Namen Coma Cluster Post Rock macht und diesen über das Socialnetwork durch die Welt schickt. Betrachtet man allerdings eines der aufwendigen, Flash-basierten Myspace Profile, die viele Bands als ihren ganzen Stolz ansehen, es als Ersatz für die eigene Website verwenden, wirkt Chris' Profil plump und uninspiriert. Wenn das Auge nicht nur mit isst, sondern auch mithört, sind das nicht gerade die besten Vorraussetzungen, um auf dem nahezu überfüllten Musikmarkt hervorzustechen.

Soll es sich hier aber alleinig um die Musik drehen und sieht man von eben genanntem, sowie einem schalen Cover ab, so hat Coma Cluster die selben Chancen, wie alle anderen auch. Vorteilhaft für das Ein-Mann-Projekt ist jedoch, dass mit der Selbstbetitelten-CD ein wunderschönes Post Rock Album abgeliefert wurde, das zwar, wie bei so vielen jungen Bands, nicht mit Innovation, sondern eher mit eingängigen Songs aufwartet und bekannte Ideen ein Stück weit weiterentwickelt, anstatt sie mit neuen auszutauschen.

Ob es im Kampf gegen die Konkurrenz nötig ist, kaum Referenzbands und/oder Vorbilder nennen zu können, um als eigenständig und kreativ zu gelten, muss jeder für sich selbst entscheiden. Will man sich als Band alleine durchschlagen oder geht man Schulter an Schulter mit seinen Mitstreitern einen Weg, den andere bereits ein wenig geebnet haben? Coma Cluster hat sich auf seinem Debut für zweiteres entschieden, deckt aber in den fließenden Arrangements und dem stets auf melodischen Gitarrenparts gerichteten Fokus jedes Pflichtfeld ab, um die Aufmerksamkeit des Hörers nicht zu verlieren. Zugegeben, in Bay of Rainbows, einem fast 9 Minuten langen Track, hatte das passieren müssen - hier wirken die Gitarren seicht und ermüdend, vergeblich auf die Schützenhilfe anderer Instrumente wartend. Mintuten später, strotzen sie aber vor Kraft, Effekten und Wucht. Die Drums und erdrückenden Powerchords erinnern an die Band Chuter, Orion Dawn wirkt jetzt elektronisch, jeder Zweifel erloschen. Sobald Chris es schafft, dieses Gefühl anhaltend zu vermitteln ist sicher, dass Coma Cluster noch weitaus mehr seiner Kontrahenten ausstechen wird, als es das überzeugende Projekt, trotz nichts sagendem Myspace Gesicht, mit dieser CD bereits getan hat.

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Against the world

According to latest estimations, about 260 million people are registered on myspace. One of those is Chris from the United States, who plays post-rock and spreads it across the world via the social network. Looking at one of the elaborate, flash-based profiles that many bands claim as their full pride, substituting their own websites, however, Chris' profile seems coddy and uninspired. If it's not only a feast for the eyes, but one the ears as well, it's not the conditions one might ask for to stand out from the over-saturated music market.

But should music be the only thing that matters, dropping the things mentioned above, as well as a vapid cover, Coma Cluster has the same chances as everyone else. Advantageously for the one-man-project, this self-titled CD is a wonderful post rock album. Altough, like lots of young band's records, it might not come up with innovation but it offers catchy songs, refining known ideas a little, rather than replacing them with new ones.

If not being able to tell similar bands and/ or archetypes is necessary in order to be considered as self-contained and creative, everyone has to decide himself. Does a band want to eke out a living on their own, or would they walk a way, that others might have paved a little, shoulder to shoulder with their comrade-in-arms? Coma Cluster decided for the later on his debut-work, but through flowing arrangements, always focusing on melodic guitar parts, he is making sure, that the listener's attention will not be lost. Granted, in Bay of Rainbows, a nearly 9 minute long song, this had to happen - the guitars seem shallow and fatiguing, the wait for support of other instruments in vain. Minutes later, however, they're brimming with power, effects and momentum. The drums and bone-crushing powerchords remind of Chuter, Orion Dawn is now given a more electronic feel, every doubt is washed away. As soon as Chris manages to put this feeling over persistently, Coma Cluster will displace even more of it's opponents, than the strong project did already with this work - despite an empty myspace face.

Genre: Post Rock
320 kbit/s (CBR)
(48:48)

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The Kidcrash - Discography (2004-2008)

LPs

Jokes (2007)

I don’t really know how to start writing about The Kidcrash’s 2007 release Jokes. I could write an intro about the bands history (stale), some preluding words about the incurrence of the record and some statements of the band (maybe interesting, but too lavishly) or I could start off with a little genre definition and sweeping swipes at the MTV-emo generation who obviously knows a sh** about music (seriously, how pretentious would that be?). After all I decided to go without an introducing paragraph (besides the already existing one of course), only concentrating on the main thing this all will be about; the fabulous music you’ll find on this record. Be prepared.

It opens up with some of the most beautiful interacting guitars I’ve ever heard, the intro to “Turtlelephant”. From that point on you’ll experience the maybe best blend of mellow mid-west emo, rough but melodic skramz ala Daitro and more blustering contemporaries like Off Minor, whose eruptive character and everchanging quiet/loud sections present a formular that The Kidcrash will push to its limits during the 41 minutes of playing time. While the majority of the heavy sections are somewhat well-known but effective, with passioned screaming over dissonant chords tightened by poignant leads and sick drumming, the calmer parts and their resolution in eruptive bursts of crashing distortion are the highlight of the record and will hit you at least 3 times per song. No track relies on one hitting crescendo, on one climax that’s supposed to blow the listener out of the water. Instead they use the quiet/loud approach for a multifaceted rhythmic pathway that evolves the songs through beautiful melodic motifs as well as textured and harmonized modulations among the single instruments. Especially their apprehension of an inventive and sensible use of altered time signatures, that conclude the particular musically themes without ceasing the proceeding flow with start-stop breaks or weird transitions is sweeping, done in best math rock manner. Most prominent on closer listenings, the driving force behind this mathy character of The Kidcrash’s music is the colorful drumming, sounding uncommonly off-kilter while outlining likewise the rhythmical backbone and putting emphasis on unaccented notes to provide the songs with new dynamical spins. You'd almost think that the tripping drumming is merely juxtaposed to the perfectly intertwining guitars, rarely profound meshing but jointly rushing forward when the song picks up speed and intensity after trundling, guitar driven interludes.

While they manage it to range every instrument on the same level, The Kidcrash compounded in the vocals section; and really for the better. Keeping the screaming level relatively low in the mix, they only add it to intensify the impact of the heavy segments and exclude it from the softer arrangements, letting the beautiful compositions shine in their instrumental beauty. Due to the occurrence of many of such louder momentums, the scrubbing screams toe the line flawlessly into the complete works, not remaining as an extraordinary appearance that takes the spot as the songs peak by accident.

Lets conclude: Breathtaking, homogenous, coordinated, free-flowing, beautiful, exciting, appealing, balanced (I could go on for quite some time) emo that ditches in post-hardcore, math rock and screamo terrain at pleasure to provide itself with the momentary needed changes in sound. All its influences make Jokes a non-dreary and challenging-but-catchy collection of nine songs, whose richness of detail and countless subtle nuances give the record an impressive replay value. With some of the best-matched guitarists (check out the in reverb drenched guitar wankery in the one and a half minute instrumental “Kissed From a Roach On The Grave”), whose individual skill filter through on every occasion (the two-handed tapping parts in “Hypothetical Basking Shark” for instance), a killing drummer (he really is) and especially the ability to combine everything into a tight package, The Kidcrash set a landmark of an album that everybody into good music should check out. And for all those people justifiably claiming Gospel’s The Moon Is A Dead World as the best thing the emo genre has to offer: Be prepared for a change. Be prepared.

Tracklist:
01 - Turtlelephant
02 - The Ground Eats You
03 - Life Was Real, Vital, Urgent, Important
04 - Hypothetical Basking Shark
05 - Kiss from a Roach on the Grave
06 - Parrot's Just Don't Understand
07 - Ron Ghousley's Fucked Up Dream
08 - A Conduit Rather Than a Vault
09 - Swingsets and Frozen Grapes

Genre: Emo, Screamo, Post Hardcore, Math Rock
(41:38)
192 kBit/s

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New Ruins (2004)

New Ruins is some kind of a double-edged sword. Clearly showing off the talent and ability stored in The Kidcrash, it seems that they utilized it in a too forced and reckless approach. They merge skilled dual-guitar work and sophisticated drum patterns with obvious pop punk sensibilities, namely hook-driven song structures and corded up songwriting. While admittedly the technical aspects can’t prevent the songs from being typical pop punk affairs, The Kidcrash used them to jazz up the tracks with mathy riffing, tight drum fills and more compact vocalism/lyricism.

Containing melodic progressions that are catchy and easily accessible, appropriate varying rhythm figures and the driving force of the speeding guitars, New Ruins offers nine well-written songs that are entertaining and rocking from start to finish. Sure it can’t compare itself with the masterpiece that is Jokes, but it’s a great beginner record for people wanting to give the whole math rock thingy a first look, and a welcome change in the more and more stagnating genre that pop punk is today.

Some songs to check out: “Your Valley Is Our Volcano (Preview)”, “Scalpel Cuts Concrete” and "Drowning Swan’s Song”.

Tracklist:
01 - Your Valley Is Our Volcano
02 - Until the Light Kills the Film
03 - New Ruins
04 - Scalpel Cuts Concrete
05 - Gun at the Parade
06 - Afterburn of Being Born
07 - Talking Underwater
08 - Eyes That Never Hit the Sky
09 - Drowning Swan's Song

Genre: Pop Punk, Math Rock
(37:32)
192 kBit/s

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Splits

• Misspellings Split 5'' w/ Arse Moreira (2007)
• Split 10" w/ Coffin Dancer (2007)
• Heavy Nugs And Heady Chugs' Split 7" w/ L'Antietam (2008)

The Kidcrash's songs on the splits range from short screamo attacks ("Pig Hands") to lenghty epics ("Water Weed"), picking up the sound the band left off with the glorious album Jokes.

Genre: Emo, Screamo, Post Hardcore, Math Rock
192 kBit/s

EPs & Demos

• Demo CDR (2006)
• I Haven't Had A Date In 4 Years Goldie Hawn Goldie Hawn Goldie Hawn EP (2005)

While the demo only consists of five early versions from upcoming Jokes songs (awesome of course but get Jokes right away), the EP offers three untitled songs that are much more hardcore inspired than anything The Kidcrash has done before and afterwards. Not as intriguing as their later works, the tracks are catchy and tightly written as well, worth to check out.

Tracklist Demo:
01 - A Conduit Rather Than a Vault
02 - Life Was Real, Vital, Urgent, Important
03 - The Ground Eats You
04 - Hypothetical Basking Shark
05 - Swingsets and Frozen Grapes

Genre: Emo, Screamo, Post Hardcore, Math Rock
(30:57)
192 kBit/s

Tracklist EP:
01 - Untitled I
02 - Untitled II
03 - Untitled III

Genre: Emo, Hardcore
(16:42)
192 kBit/s

The Kidcrash are Alex, John, Kevin, Buster.

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Hen:ge - Theory Of Despair (EP) (2009)

Wer Hen:ge schon kennt, der weiß wonach es klingt, wenn sich die 3 Herren aus Regensburg in Bayern die Gitarren um den Hals legen bzw. die Drumsticks zur Hand nehmen. Nach Genderrichtlinien müsste ich jetzt schreiben GitarrInnen und DrumChicks, aber das ist eine Sache, die mich im Privatleben beschäftigt und ich euch nicht aufdrängen will.

Also zurück zur Sache. Hen:ge? Was heißt das? Henge bedeutet auf japanisch "Geistererscheinung“. Wenn man den Downtempotönen der Jungs lauscht, dann weiß man auch warum. Die Musik schleicht vor sich hin. Dunkle Töne. Die BPM der Drums niedrig. Das Messer scheint greifbar nahe. Wenn man sich nicht im Griff hat, sollte man auch von dieser Soundcollage die Finger lassen. Ein Horrorfilm vertont.

Das Prinzip, dieser meiner Meinung nach sehr einzigartigen Band, ist sich zusammenzusetzen, ein morbides oder auch weniger morbides Thema in den Raum zu werfen und im Takt drum herum tanzen und dazu zu jammen. Das wird dann schnurstracks aufgenommen und veröffentlicht, was ich eine sehr tolle Sache finde, denn meist sind die ersten Ideen die Besten. Wenn man zulange an Songs bastelt läuft man Gefahr das Ziel außer Augen zu verlieren, was hier garantiert nicht passiert. Man kann sich in das Thema reinfühlen, spüren was in den Köpfen und im Herzen der Musiker zur Zeit der Aufnahme vor sich ging. Tobias hat mir die Story, zu der sie gespielt haben und die sie vorweg entwarfen, zukommen lassen:

„The investigator was staring at the sealed door again. Confused thoughts were spinning upwards his head while a downshifting feeling cought him. He knew that the tremors in his hands wouldn`t be gone until he executes "their" orders. His eyes went through uncomfortable scenery, behind him narrow stairs, the exit into the dark and cold night, knowing he couldn`t reach it before "they" catch him. Captured in a small room, filled with sheets, on their surface dust particles reminding him of them laying there a long time covering dates of death, for only he knew that no one would care for them. With cerebral anxiety his shaking hand moved towards the door. Only the vessels would make "them" disappear He knew nightshift will begin...“

Ich finde es einfach toll, wenn man als Hörer einen gewissen Freiraum hat, um sich selbst an das Thema heranzutasten. Liest man die Story, betrachtet dabei das Cover von „Theory Of Despair“ und hört zugleich die EP, dann kann man nur erahnen, worum sich dieses Thema drehen mag. Dieses Release ist auf alle Fälle eine Reise wert! Dickes Lob an die Macher Björn, Matthias und Tobias (der sehr viel zu dem positivem Ambiente im Forum beiträgt und wofür wir auch sehr dankbar sind)!

Zusätzliche Infos: Die „Stationary / Crater (EP)“ kann man auch bei uns laden und zwar hier.

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Those who're aware of Hen:ge already, might know what to expect when the 3 guys from Regensburg, Bavaria place their guitars around their necks and take the drumstick into their hands. Hen:ge? What does that mean? Henge means appearance of an ghost in Japanese. When listening to the down-tempo-tunes of theirs, one might realize why. The music creeps along. Dark tones. The drum's BPM low. The knive seems to be within reach. If you don't have yourself under control, better keep your hands off this soundcollage! A horror-flick set to music. The concept behind this unique band is, getting together, choosing a more or less morbid subject and dance in step around it, while jamming to it. Straightaway this will be recorded and released, what seems like an awesome thing in my opinion, because usually first ideas come off best. When tinkering on your songs for too long, you'll run the risk of loosing your goal out of sight - a thing that's certainly not happening with Hen:ge. You're able to get a feel of the theme, feel what was going on the heads and hearts of the musicians, at the moment of the recordings. Tobias from Hen:ge told me the story, to which they played beforehand:

„The investigator was staring at the sealed door again. Confused thoughts were spinning upwards his head while a downshifting feeling cought him. He knew that the tremors in his hands wouldn`t be gone until he executes "their" orders. His eyes went through uncomfortable scenery, behind him narrow stairs, the exit into the dark and cold night, knowing he couldn`t reach it before "they" catch him. Captured in a small room, filled with sheets, on their surface dust particles reminding him of them laying there a long time covering dates of death, for only he knew that no one would care for them. With cerebral anxiety his shaking hand moved towards the door. Only the vessels would make "them" disappear He knew nightshift will begin...“

It is great, that the listener is given a certain freedom, to approach the theme individually. Reading the story, looking at the cover of Theory of Despair at the same time, while listening to the EP, one might only guess, what the story might center on. This release is definitely worth checking out! Kudos to the band, Björn, Matthias and Tobias (who contributes a lot to the positive feel of our forums, which is a thing we truely appreciate)

Additional information: Hen:ge's previous effort, „Stationary / Crater (EP)“ is available here.

Genre: Downtempo, Doom
128 kbit/s (CBR)
(29:16)

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Long Desert Cowboy - Sandshoes (2007)

Nachdem wir mit Finarei, dem aktuellen Album des Wüstencowboys in eine fesselnde Prärie des Ambients eingeführt haben, hier das Vorgängerwerk Sandshoes. Dieses überzeugt ebenso mit Klangwolken, die den blauen Himmel und die brennende Sonne verdecken und den Hörer im Schatten der hoffnungspendenden Oase neue Kraft für die Reise geben.

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After the introction to the capitvating plains of ambient of Long Desert Cowboy's latest album, Finareia, this post features the previous album Sandshoes. This one also manages to fascinate with clouds of sound, covering the blue sky and the burning sun while giving the listener in the shade of the oasis new power for the journey.

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Darker My Love - Darker My Love (2006)

"Darker My Love is a psychedelic rock band based in Los Angeles, California. The band consists of 5 members. Tim Presley, a former member of the band The Nerve Agents and also a visual artist responsible for much of the band’s imagery, contributes vocals and guitar. Andy Granelli, formerly a member of both The Nerve Agents and The Distillers, plays drums. They are accompanied by Rob Barbato, who plays bass and shares lead vocal duties with Presley, and Jared “The Sandwich” Everett on rhythm guitar. Will Canzoneri joined the band on organ and clavinet in the latter half of 2006. The group’s style is often compared to bands such as Can and My Bloody Valentine." - LastFM

"The music of California's Darker My Love is guitars drenched in blissed-out fuzz, pulsing drums crashing like waves, and echoing harmonies stretching sky-high." - Amazon.com

Genre: Rock / Psychedelic Rock
(39:30)
192 kBit/s

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Dangerbird Records
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Collapse Under The Empire - Systembreakdown (2009)

Schlüsselmomente

Ein wenig elektronisch starten Collapse Under The Empire ihr neuestes Album systembreakdown. Synth-Pads sorgen für die obligatorische, melancholische Stimmung, worauf der Song in einen ruhigen Bridgeteil mündet, bis sie zum ersten Mal auf dieser CD auftritt: die berühmt-berüchtigte "Wall of Sound". Ein Post Rock Phänomen, das von grandios bis schauderhaft bereits alle möglichen Adjektive an sich gezogen hat. Und auf systembreakdown? Hier treffen vermutlich die beiden Wörter melodisch und griffig am besten zu. Diese ziehen sich durch, von der ersten, bis zur letzten Sekunde - 42 Minuten lang.

Es ist für eine Band kein Leichtes ein Album zu schaffen, das neben dem roten Faden, noch die Aufmerksamkeit des Zuhörers für eine knappe dreiviertel Stunde halten kann. Nun halten es die beiden Hamburger aber so, dass es den Hörern durchaus erlaubt ist, kurzzeitig abzuschweifen - die Band holt einen nämlich früher oder später sowieso zurück. Komischerweise geschieht dies aber nicht wie so oft durch den Hit der Platte, sondern es sind eher einzelne, entscheidende Momente dieses Albums, die überzeugen. Ob das der Höhepunkt des sehnsüchtigen depending on you, das stimmungsvolle, elektronische Ambiente von quiet dimenson oder die lockere Verspieltheit der Drums auf further than the end of the world ist, das muss jeder für sich selbst herrausfinden. Entscheidend ist aber, dass Collapse Under The Empire unzählige solcher Schlüsselmomente auf ihrer CD verbaut haben - da ist für jeden einer dabei.

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Key-moments

Collapse Under The Empire start their newest album systembreakdown with a little electronic feel. Synth-pads cause the obligatory, melancholic mood, whereon the song flows into a mellow bridge-part, until it appears for the first time on this CD: the notorious "wall of sound". A post-rock phenomenon, which has attracted all possible adjectives - from outstanding to horrible. Well, on systembreakdown? The words melodic and tangible might apply the most here. Those are drawn through, from the first to the last second - for 42 minutes.

Creating an album, which offers a central theme, aswell as the possibility to hold the listener's attention for nearly three quarters of an hour is not easy for a band. The both guys from hamburg, however, handle things a little differently. By all means, the listener is allowed to drift away temporarily - sooner or later the band will take you back anyway. Oddly, it's not the hit of the album, which is responsible for this, like usual, but single, crucial and convincing moments of this record. Everyone has to decide on his own, whether it's the climax of the yearningly depending on you, the moody, electronic ambience of quiet dimension or the casual playfulness of the drums on further than the end of the world. The important thing is, that Collapse Under The Empire have built a countless number of these key-moments into their CD - there is one for everyone.

Tracklist:
01 - Monumental sequence
02 - sky falling
03 - innocence
04 - the taste of last summer
05 - quiet dimension
06 - environmental obsession
07 - turn
08 - depending on you
09 - further than the end of the world
10 - buried in pieces

Genre: Post Rock
(42:07)

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Facing The Swarm Thought - Lost.Found.Banished. EP (2009)

Der fünfer Facing The Swarm Thought aus Augsburg bietet auf der Lost.Found.Banished. EP Blastbeats (wenn auch nicht in Hyper-Lichtgeschwindigkeit wie bei diversen Brutal Death Metal Acts), brutale Moshdowns, tightes und präzises Riffing und vor allem eine mir persönlich sehr angenehme Härte. Ein bisschen erinnert mich ihr Sound an den von Converge, wobei sich FTST nicht an solch chaotischen Arrangements versuchen, wie es Converge normalerweise tun.

Die drei Songs (Praying Mantis, The Red Sea und Bullet Of Thoughts) quellen nur so über vor Ideenreichtum. Diese Ideen werden hier nachvollziehbar präsentiert und zwar in Songs mit relativ viel Struktur und ganz viel Groove. Früher, bevor der Begiff Metalcore zur Beleidigung für Bands wurde, hätte man diese EP wahrscheinlich auch noch als Metalcore bezeichnet... hatte man damals ja auch bei Converge so gemacht. Heutzutage würde man es eher als Mathcore bezeichnen, vielleicht sogar als Deathcore.

Aber ich bleibe dabei und bezeichne diese Musik jetzt einfach als Metalcore, und zwar in dem Sinne, wie es auch für Alben wie Jane Doe oder Aeolian gebraucht wurde. Die Grundstimmung auf Lost.Found.Banished. ist in etwa die selbe als auf Jane Doe und Aeolian... es gibt keine Lichtblicke, nur unterschiedliche Graustufen und Schwarzschattierungen... vor allem gibt es keine Hoffnung.

Für alle Freunde der härteren Gangart ist diese EP auf jeden Fall zu empfehlen, jedem, dem schon die Fluxion von The Ocean zu hart ist kann ich hiervon nur abraten... Mir gefällts hervorragend, vor allem das großartige Bullet Of Thoughts, welches ihr hier auch probehören könnt.

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Facing the Swarm Thought, consisting of five guys from Augsburg, deliver blastbeats (however not in hyperspeed as one may know from brutal death metal acts), brutal moshdowns, tight and precise riffing and especially a certain kind of heaviness I really like a lot. Their sound reminds me a little bit of Converge, but a lot less chaotic with straight forward arrangements.

The three songs (Praying Mantis, The Red Sea and Bullet Of Thoughts respectively) are filled with ideas that are presented in a way where everybody can understand them, i.e. in structured songs with lots of groove. About ten years back, before the term metalcore became an insult for bands, this EP would have been labeled metalcore... just like they did with Converge back then. Nowadays one would lable it mathcore or even deathcore.

But I still call this style metalcore in the sense that it was used ten years ago... just like they did it with Jane Doe or Aeolian. And there is a certain resemblence between Lost.Found.Banished. and these particular LPs... no light, only shades of black and gray... and definitely no hope.

Everybody who likes his music heavy as fuck should give this EP a spin, everybody who thinks that The Ocean's Fluxion is too heavy, stay away... I like it a lot, especially the grand Bullet Of Thoughts, which you can listen to here.


Genre: Metalcore, Hardcore, Sludge
160 kbit/s (CBR)
(15:24)

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Tera Melos - Idioms Vol. I (2009)

Um ehrlich zu sein war ich ziemlich enttäuscht, als Tera Melos bekannt gab, dass ihr nächster Release ein Cover Album statt eines neuen Full Lengths sein wird. Ich hoffte beinahe sehnsüchtig auf eine kreative Weiterführung ihres ausgelassenen Stils, dessen Grundstein sie auf dem Split mit By The End Of Tonight und der phänomenalen Drugs To The Dear Youth EP legten, aber stattdessen werd ich hier anscheinend mit einer einfallslosen Zusammenstellung von "Möchtegern"-Klassikern anderer Bands abgespeist, was schon so manch einer Formation einen Tiefpunkt in der jeweiligen Karriere bescherte (siehe Between The Buried And Me und A Perfect Circle).

Doch nachdem ich die Tracklist der neuen CD und die Erläuterungen der Band dazu auf ihrem Blog bemerkte, wurde mein Interesse mehr als geweckt. Nicht wissend, dass Drummer Vincent Rogers die Band schon vor einer ganzen Weile verlassen hatte und Tera Melos deshalb die Arbeiten an einem neuen Album nach hinten stellen musste, um sich der Suche nach Ersatz zu widmen, konnte ich dann schließlich den Entschluss der Band, nach erfolgreicher Suche erst mal ein Cover Album aufzunehmen, sehr gut nachvollziehen. Und wenn die Band auf ihrem Blog ankündigt, das die fünf Songs von der neuen Idioms Vol. I EP Cover von fünf der krassesten Lieder aller Zeiten seien würden, darf man schon gespannt sein, was dabei raus kommt. Gecovert wurden Tracks von Rivers Cuomo (Weezer), Pixies, Beach Boys, Polaris und The Clash; allesamt Songs, die zusammen mit den Beschreibungen auf ihrem Blog vermuten lassen, dass es sich um für die einzelnen Mitglieder der Band prägende und beeinflussende Titel handelt, welche sie neu interpretiert mit ihren Fans teilen wollen.

Gleich der Opener "Meant For You" (Beach Boys) zeigt, welches musikalisches Konzept sich Tera Melos für die Cover Songs erdacht hat: Lebhafte und optimistische Neuauflagen, die sich deutlich an den kultigen Originalen orientieren und dabei nicht den typischen instrumentalen Wahnsinn missen lassen, für den Tera Melos vor allem im Bereich der Gitarrenarbeit und des Samplings so bekannt ist. Wer aber ein weiteres "40 Rods to the Hogs Head" auf dem Album erwartet, wird enttäuscht. Kein zweihändiges Tapping, kein stark am Jazz orientiertes Drumming und keine verrückten Takt- und Tempowechsel. Dagegen werden die Lieder von simplen Power Chords beherrscht, die von einem kernig verzerrten Bass und passendem Schlagzeug akzentuiert werden, bereichert mit den typischen kleinen musikalischen Eigenheiten, für die die Band so bekannt ist. In fast jedem Song stolpert man über irrwitziges Sliding mit Tremolo Anschlag, in "Koka Kola" und "Tame" stechen dissonante Akkorde und Arpeggios gepaart mit Dead Notes hervor und "Blast Off" verarbeitet schreiende Bendings in dem markanten Main Riff sowie ein Gesangssample, welches als Bridge fungiert. Die Umwandlung von "Meant For You" von einem 35 sekündigen Piano Stück zu einem um eine Minute verlängerten Rock Song, der in einer Kakophonie aus durcheinander gewürfelten Samples und Effekten endet, ist das vielleicht beste Beispiel für Tera Melos' Bemühungen, den Liedern eine eigene Identität zu geben.

Mit einer Spieldauer von nicht einmal 8 Minuten macht man wirklich nichts falsch, wenn man dieser kleinen EP mal eine Chance gibt. Voller Spaß an der Sache und mit Leidenschaft performt, gelingt es Tera Melos, mit Idioms Vol. I eine kurzweilige Kollektion von Cover Songs darzubieten. Auch wenn die Band nicht für ihre stimmlichen Talente bekannt ist, schaffen sie es, die Titel mit ehrlichem und aufrichtigem Gesang zu bereichern, der vor allem in dem Song "Hey Sandy" und seinen wie aus dem Nichts kommenden Gesangspassagen im Mittelteil hervorsticht und die Spielfreude der Band wiederspiegelt.

Genau diese Spielfreude gab wahrscheinlich den Ausschlag für die Aufnahme und den Release dieser fünf Lieder, und genau diese Spielfreude sollte der Grund sein, dass ihr da mal reinhört.

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Truth be told, I was pretty dissappointed when Tera Melos announced a cover album to be their next release instead of a new full length. I hoped almost wistfully for a creative continuation of their frisky sound they established on the recent split with By The End of Tonight and the phenomenal Drugs To The Dear Youth instead of an unimaginative effort full of tepid rehashed supposed-to-be-classic songs, leading to low points in otherwise great discographies (happened in the case of Between The Buried And Me and A Perfect Circle for example).

However, when I saw the tracklist and Tera Melos' explanation for such a questionable release on their blog I became highly interested really quick. Not knowing that drummer Vince Rogers left some time ago and therefore the band had to spend time finding an adequate replacement for such a skilled member and teaching him the old songs as well, the now again 3 piece pushed back the plans for a potentially full length and made a record with covers of, according to Tera Melos' blog entry, "five of the raddest songs ever written". Reinterpreting songs of Rivers Cuomo (Weezer), Beach Boys, Pixies, Polaris and The Clash, it seems that the band wanted to pay tribute to tracks that were formative for them as humans and musicians, sharing them with their fans for free.

Right off the start with the Beach Boys cover "Meant For You", Tera Melos conveys the concept they intended for this output: Joyful, bouncy and upbeat interpretations hearable orientated by the originals, dosed with some typical Tera Melos-esque frenziness in terms of anomalous guitar work and sampling/programming. But don't expect another "40 Rods to the Hogs Head" on this album. All songs are stripped down technically; that is to say no two-handed tapping, no jazzy drumming, no spastic changes of time signatures and leitmotifs. However, the songs are ruled by simple power chords and pithy distorted bass grooves, accentuated by nothing more than adequate drumming and the aforementioned little gimmicks Tera Melos is known for. There are tremolo picked slides underneath the chord based main riffs in nearly every song, dissonant muted chord and string plucking in "Koka Kola" and "Tame", some vocal sampling and screaming bends worked into the remarkable main riff of "Blast Off" and perfectly contrasting, ska-ish clean chords in "Hey Sandy". The transformation of "Meant For You" from the originally 35 seconds long piano piece into an about one minute extended rock anthem that concludes in a cacophonie of agitated sampling and weird noises stands as another instance of Tera Melos' palpable attempt to make the songs somewhat unique and creative.

With a duration of only 8 minutes, you really can't do wrong by giving this little ep a chance. It's fun, it's passionate and most important no apathetic collection of lightly modified covers. Although Tera Melos isn't famous for memorable vocal work, the singing on Idioms Vol.I is sincere and heartfelt, technically solid as well, and shines on "Hey Sandy" with its free-flowing and revolving vocal snippets in the middle part as perfect indicator of their joy of making music.

And just this joy may tipped the scales for the recording and release of the five songs, and simultaneously should tip the scales that you check this out.

Tracklist:
1. Meant For You (Originally by The Beach Boys)
2. Koka Kola (Originally by The Clash)
3. Tame (Originally by The Pixies)
4. Blast Off (Originally by Rivers Cuomo)
5. Hey Sandy (Originally by Polaris)

Genre: Punk / Math Rock
(07:56)
320 kBit/s

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Jacob Harris - Diskographie (2008-2009)

"Jacob Harris is a musician who hails from the tiny village of Titusville on the east coast of Florida. Jacob's music aims to put you in a relaxed state and uses softer melodies and robust harmonies to transfer you there. Turning guitar and orchestrated backgrounds into layered drones, Jacob is able to create stunning soundscapes and an overall beautiful listening experience." - LastFM

Recommended if you like: Eluvium, Stars of the Lid, Hammock.

Safe Haven Harbours Multitudes (2009)
Tracklist:
01 - Memorial of an Era
02 - Moya
03 - Peace at Last
04 - I - Alone in the Rain
05 - II - Sound Forming Lights
06 - III - Safe Haven
07 - VI - Peace at Last
08 - 108 Seconds of Silence
09 - Sacred Hill Signal

Genre: Ambient
(42:03)
320 kBit/s

Who Weaves Bright Dreams (2008)

Tracklist:
01 - Sonoluminescence
02 - Clairaudience
03 - A MidWinters Refrain
04 - Blue Nocturne
05 - Blue Nocturne II
06 - A MidWinters Refrain II
07 - Clairaudience II
08 - Sonoluminescence II

Genre: Ambient
(1:45:42)
320 kBit/s

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Whales And Aurora - Promo (2009)

Es ist schon faszinierend wie sich Erwartungen auf das Erleben einer Platte auswirken. So auch bei der Promo von Whales And Aurora aus Vincenca Italien. Was mir hier als Sludge vorgelegt wurde beginnt eher wie klassischer Post-Rock mit Gitarren-Delays, Rückwarts-Effekten und Drums mit massig Hall. Gerade als ich mich frage ob manch anderer unter Sludge vielleicht etwas anderes versteht als ich bricht die Post-Rock Collage plötzlich zusammen und verzerrte Gitarren reissen mich zusammen mit einem heftigen Schrei aus allem Zweifel. Was jetzt folgt ist harte, schleppende Musik in Richtung Cult Of Luna, wobei der Sänger von Whales And Aurora noch ein Stück mehr Death Metal mit einfliessen lässt. Einige interessante Akkordwechsel und Schlagzeug-fills verhindern dass sich Langeweile einstellt. So wechselt der erste Track "The Long Process" immer wieder zwischen Sludge und lupenreinen Post-Rock inklusive doppelter, flächiger Tremolo-Gitarren. Nur der Bass bewahrt stehts das schön dreckige Sludge-Gefühl.

"Abandoned Among Echoes" beginnt mit einem ruhigen, sehr interessanten Part der leicht in die Richtung Mercury Program geht. Doch auch hier kehrt die Band schnell zu drückendem Post-Metal/Sludge zurück. Kleine Riffs abseits von Stakkato-Gitarren sorgen für die nötige Abwechslung. Sänger (und Bassist) Giacomo Totti hat seine Stimme voll unter Kontrolle und überzeugt mit ungebrochener Intensität. Nach fünf Minuten Härte endet das Lied in einem ruhigen, sehr melodiösen Part.

"Left To The Waves" besteht zunächst nur mit sich steigernden Noise-Effekten zu denen sich bald ein Schlagzeug gesellt, alles klingt bedrohlich und man erwartet jeden Moment die typischen Sludge-Gitarrenflächen. Tatsächlich ist der folgende Teil rhythmisch um einiges interessanter. Es wird klar, dass Whales And Aurora mehr als nur zwei Stilrichtungen mit in ihre Musik einfließen lassen. Dieser Track ist voll von unverbrauchten Ideen bis hin zu cleanen Akkorden, die in meinen Ohren nach Surf-Musik klingen, und einer bluesigen Slide-Gitarre. Jeder Steigerung folgt die Nächste. Nichts wird zur Routine, ein absoluter Highlight-Track.

Auch der letzte Track namens "A Winter Without Sun" beginnt ruhig mit einzelnd angeschlagenen Gittarenakkorden. Doch bereits nach einer Minute bricht eine Gitarrenwand die Ruhe. Beim Gesang gibts keine großen Experimente er trägt aber zur Gesamtstimmung bei. Nach knapp drei Minuten verklingt plötzlich alles und nur ein einsamer, unverzerrter Akkord und ein tomlastiges Schlagzeug bleiben übrig. Was nun folgt ist fast schon Ambient. Die Jungs pfeifen auf die üblichen Songstrukturen und können sich auch über längere Zeit zurückhalten. Die Sludge-Walze kommt aber doch noch ein letztes Mal zurück und wird langsamer... und langsamer. Wie ein verletzter Urzeitriese schleppt sich die Band voran und haucht ihr Lebenslicht in einer Cacophonie aus Rückkopplung und Filter-Effekten aus.

Diese Promo ist in Sachen Produktion und musikalischem Können einwandtfrei und sei jedem Freund von Sludge, aber auch härterem Post-Rock wie Pelican oder Red Sparowes ans Herz gelegt. Die Band ist im Moment auf der Suche nach einem Netlabel und sie sind sich noch im Unklarem ob die Promo als freier Download zur Verfügung gestellt wird.

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It is fascinating how expectiations have such a strong influence on experiencing a record. Same goes for the Promo release of Vincena, Italy's Band Whales And Aurora. Given to me under the label "sludge", the first song starts with what is much more reminiscent of post-rock utilizing guitar delay effects, backward-loops and reverb on the drums. Just as I am wondering whether I misinterpreted the term sludge, a huge wall of sound consisting of distorted guitars and a scream tear away every doubt. What follows is heavy, slow music in the vein of Cult Of Luna, while Whales And Aurora's vocalist adds a bit more death metal techniques. Interesting chord progressions and drumfills keep the music from getting stagnant. The first track "A Long Process" is constantly shifting through the different dynamics of sludge and pure post-rock including twin tremolo-guitar pads. Only the bass-guitar is consistently keeping that raw sludge sound.

"Abandoned Among Echoes" starts out with a calm, very interesting part going slightly into a Mercury Program direction. The band returns to the powerful sludge/post-metal sound rather quickly, though. Little riffs apart from staccato-guitars provide the needed variety. Vocalist (and bass player) Giacomo Totti has full control of his voice and keeps a steady level of intesity. After five minutes of fierceness the track ends with a mellow, very melodious part.

"Left To The Waves" is initially just gradually increasing noise-effects until the drums set in, everything sounds menacing and you begin to expect the typical walls of distortion. In fact the following part is a lot more rhythmically interesting. It's obvious that Whales And Aurora let more than just two styles of music influence their song-writing. This track is filled with creative ideas right up to clean chords, which sound like surf music to me, and a bluesy slide guitar. Every climax is followed by the next and ou never get a feeling of routine. It is an absolute highlight track.

The second track named "A Winter Without Sun" also begins quietly with solitary, stroked guitar chords. Already one minute into the track the serenity is again disrupted by distorted guitars. The vocals, though not varying at all, add to the overall atmosphere. After three minutes of uncompromised sludge the heavy guitar fade into the background and let a single, clean guitar come through, supported by the drummers great use of the toms coming close to ambient music. These guys don't care about standartized song-structures and can keep themselves under control for a longer period of time as well. When finally the sludge aspect is taking over again it's gradually getting heavier and heavier. Like a giant wounded primeval creature the band is dragging onwards until it breaks down in a cacophony of guitar-feedback and filter-effects.

This Promo release in flawless in terms of production and musical abilities. It's recommended to everyone who enjoys sludge or harder types of Post-Rock like Pelican or Red Sparowes. The band is currently looking for a netlabel and is uncertain whether they will release the promo as a free download.

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Tracklist:
01 - The Long Process
02 - Abandoned Among Echoes
03 - Left To The Waves
04 - A Winter Without Sun

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OPN - Echoes Of A Distant Present (2006)

Focusing on subtle ambient textures and live field recordings to create an environment of serene isolation. 'reminiscent of the progression and restraint of Stars Of The Lid while offering the listener the texture and focus of something similar to the work of Tim Hecker - All the while sounding like something halfway between.' - Robotopera

Tracklist:
01 - The Marina
02 - Footprints
03 - A Cold Day

Genre: Ambient
(20:19)
320 kBit/s

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Robotopera Netlabel
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Doomina - March On, Dead Man (2008)

Wüstensand in Kärnten, dem südlichsten Bundesland Österreichs? Wer hätte das gedacht? Vier junge Herren aus Völkermarkt machen dies möglich, nämlich: Daniel, Michael, Christian und Thomas. Mit einer gesunden Mischung aus Sludge und Stoner Rock haben Doomina auf ihrem zweiten Demo „March On, Dead Man“, in Form von vier Songs, einen sehr schmackhaften Cocktail am Start. Dies zeigt sich schon beim ersten Track „El Magneto“, einem gnadenlosen Stampfer. Fast schon jazzig beschwingt beginnt „Psychotron“, solche Töne hätte man sich nicht unbedingt erwartet. Wunderbar atmosphärisch gleiten sie dahin, bevor sich dichte Gitarrenwände erheben. Die zweite Hälfte der Demo unterscheidet sich da schon sehr von der Ersten. Das mag einerseits daran liegen, dass die ersten beiden Songs älter sind, als die beiden Anderen und andererseits auch an der stilistischen Weiterentwicklung der Band. Die Songs sind mindestens doppelt, und bis zu drei Mal so lang und sie klingen überlegter, ausgereifter und frischer. Bei „March On, Dead Man | Hypersonorous“ und „Morbus Sacer | In The Absence Of God“ wird der Stoner Rock etwas zurück geschalten und Post Rock tritt mehr in den Vordergrund. Ich muss sagen, die beiden Songs sind mir wirklich sehr ans Herz gewachsen und sie lassen auf mehr hoffen. Super, Burschen!

©beyondsalvation

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Desert sand in Carinthia, the most southern state of Austria? How’s that even possible? Four young gentlemen from Völkermarkt make this possible: Daniel, Michael, Christian und Thomas. Doomina is presenting themselves with a healthy mixture of Sludge and Stoner Rock on their second demo „March on, Dead Man“. A very tasty four track sound cocktail. The first track „El Magneto“ shows itself as a merciless steam roller. Nearly jazzy and swinging is the beginning of „Psychotron“, I wouldn’t have expected such tunes. They’re sliding marvellously atmospheric, before close guitar walls rise. The second half of the demo differs pretty much from the first. That may be on the one hand, because the first two songs are older, as the other two and on the other hand, because of the band’s stylistic advancement. The songs are at least double, and up to three times so long and they sound considerate, matured and more fresh. „March On, Dead Man | Hypersonorous“ and „Morbus Sacer | In The Absence Of God“ have less Stoner Rock and more Post Rock influences. I have to say, that both songs really got into my heart and it leaves me there hoping for more. Super, guys!

©beyondsalvation

Genre: Sludge, StonerRock, Instrumental
128 & 160 kbit/s (CBR)
(35:47)

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Book @ doomina_music@yahoo.de
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Strange Glue and the Post-Rock Underground (Compilation) (2009)

"It's that time again, you know, time that Strange Glue educates and cultures the population with new music. Today we have a lesson in post-rock for you with nine awe-inspiring songs from across the scene."

Das Strangeglue Musikmagazin aus dem Vereinigten Königreich veröffentlicht mit Strange Glue and the Post-Rock Underground seine monatliche Compilation. Nach der Alternative und Punk Reihe, die auch auf deren Seite zu finden ist, sind hier Songs quer durch das facettenreiche Genre des Post Rocks zusammengestellt worden.

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Strange Glue and the Post Rock Underground is this month's compilation from Uk-based Strange Glue Music Magazine. After the Alternative & Punk release, which you can check out on their website as well, this one features tracks across the diverse Post-Rock genre.

Tracklist:
01 - If these trees could talk - What's in the Ground belongs to you
02 - Irepress - Cyette Phiur
03 - Crippled Black Phoenix - Rise up and Fight
04 - Gathiens - Connectango
05 - Vanessa Van Basten - Tutto Avanti All'indietro
06 - Our Ceasing Voice - The Inevitable Fall
07 - Lampshade - Silkesår (Featuring Teitur)
08 - Gregor Samsa - Three
09 - Dorena - Solen Har Förblindat Mig

Genre: Post Rock
(60:18)
192 kBit/s

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Sky Flying By - How Much More Difficult Will This Get? (2009)

Wenn Namen überflüssig werden.

Oftmals ist ehrliche Musik schwer zu finden. Nachdem ich aber bei Sky Flying By, einem Post Rock Projekt aus Massachusetts, reingehört habe, wusste ich schnell womit ich es da zu tun habe: Musik, die aus Spaß an der Sache entstanden ist.

Auf How much more difficult will this get? finden sich sechs energiegeladene Lieder, die zwar nicht vor Kreativität strotzen, dennoch ein wunderbares Gefühl von Optimismus und Lebensfreude ausstrahlen. Besonders die Drums klingen erfrischend und auf den Punkt gebracht, ihre Umarmung mit dem knackigen Bass ist von der ersten bis zur letzten Sekunde perfekt gelungen, während die Gitarren sich, mal mächtig, mal demütig, drumherum aufbauen.

Über Sky Flying By werden im Internet bewussterweise keine biographischen Details preisgegeben. Ein kurzes Statement dazu lautet: "You don’t know my name, and that’s the way it will stay. My music will remain as anonymous as possible. I’m not a name." Nachdem ich dann die sechs, circa 6 Minuten langen Lieder mehrmals genossen habe - vom krachigen Remembering Forgotten Toys, über das melodiöse und atemberaubende Zero Dead Wounded One bis hin zum elektronischeren They Still Make Lighthouses - habe ich mich dabei vermehrt unaufhaltsam in der Musik verloren. Ich bin dann zum Entschluss gekommen, dass Sky Flying By keinen weiteren Namen, der dahinter steckt braucht. Hört euch die CD an und lasst die Musik für sich sprechen: Denn anstelle eines Namens wird einem hier viel mehr über die Persönlichkeit eines Menschen anvertraut.

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When names become reduntant.

Often it's hard to find honest music. After I listened to Sky Flying By, a Massachusetts-based Post Rock Project, I quickly knew what I was dealing with: Music, that resulted from pure pleasure to the thing itself - art for the art's sake.

How much more difficult will this get? offers six energetic songs, which might not brim over with creativity, but at the same time, manage to exude a wonderful feeling of optimism and joie de vivre. Especially the drums sound refreshing and on the spot, their embracement with the crispy bass succeded from the first to the last second of the record, while the guitars are builded up around it - at times mightfully, at times humbly.

Intentionally, there are no biographical details about Sky Flying By to be found on the internet. There is a short statement about this instead: "You don’t know my name, and that’s the way it will stay. My music will remain as anonymous as possible. I’m not a name." After I enjoyed the six, approximately 6 minute long songs for several times - from the crashing Remembering Forgotten Toys, across the melodious and breath-taking Zero Dead Wounded One to the more electronic They Still Make Lighthouses - I unstoppably lost myself in the music a few times. I then arrived at the decision that Sky Flying By won't need another name that's behind it. Listen to the CD, and let the music speak for itself: Because instead of a name, you're intrusted with a lot more about the personality of a human being.

Please support Sky Flying By by donating or by buying the CD.

Genre: Post Rock
(36:37)

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Last Romantic - Find your machine (EP) (2009)

Betrachtet man vom Sitz eines Flugzeuges aus die Wolken, wie sie im Orangeton der Golden Hour versinken, verliert man jeglichen Gedanken an die Vergangenheit und richte seinen Blick in die Zukunft. Egal wen oder was man zurücklässt, alles scheint geblendet zu sein vom Zauber der Fremde, der Vorfreude das erfahren zu dürfen was im Leben noch möglich ist. Find your machine bietet hierfür den perfekten Soundtrack, nicht nur um mit dem Gewöhnlichen abzuschließen sondern sich im Abenteuer des Neuen fallen zu lassen.

Dan Stone ist das Mastermind hinter dem experimentellen Rock Projekt Last Romantic und vereint auf seiner neuen EP zahlreiche Elemente aus Shoegaze, Trip-Hop, Industrial, Funk, Blues, Rock, Electronica, Post-Metal und noch vielem mehr.
Dies klingt im ersten Moment recht dick aufgetragen, letztendlich entsteht dadurch aber ein frischer neuer Stilmix, welcher den Hörer schnell in seinen Bann zieht und in eine Welt eintauchen lässt, in der Last Romantic deine Sehnsüchte steuert, und Herr über deine innere Maschine ist.

Alle 7 Tracks der EP sind recht kurz gehalten, nicht unnötig künstlerisch ausgeschmückt und konzentrieren sich auf das Wesentliche: Sie gewähren dem Hörer einen spaltbreit Einblick in die Seele und Emotionen eines jungen aufstrebenden Musikers.

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Watching the clouds from the seat of an airplane, observing how they sink into the orange color of the golden hour, you'll lose every thought of the past and have a look of the future. No matter who, or what you might leave behind, everything seems to be dazzled by the magic of the unknown, the anticipation for what else is possible in life. Find your machine offers the perfect soundtrack for this, not only to end the ordinary, but also to fall into the adventure of new things.

On his new EP Dan Stone, the mastermind behind the experimental rock project Last Romantic combines several elements from shoegaze, trip-hop, industrial, funk, blues, rock, electronica, post metal and some more. In the first moment, this sounds pretty piled on, ultimately a fresh, new soundmixture is evoked, which will fascinate the listener and let him dive into a world, in which yearning and your inner machine is controlled by Last Romantic.

All the seven tracks of the EP kept pretty short - they do without unnecessary, artistic decoration and concentrate on the most important things: They alllow the listener a little insight into the soul and emotions of a young, aspiring musician.

Genre: Shoegaze / Experimental Rock
(22:03)
128 kBit/s

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Anon, They Move - The Passing Of A Spy Glass (2009)

Treibende Toms stürzen sich furchtlos ins Gefecht und beginnen damit das neueste Mini-Album von Anon, They Move dramatisch und eindrucksvoll. Gefesselt von aufpeitschenden Klaviermelodien, begleitet von immer wieder kehrenden Trommelschlägen, wartet man vergeblich auf eine Verschnaufpause. Craig Broad, der neben seinem musikalischen Projekt noch das Burnthenation Netlabel leitet, lässt seinen Hörer im ersten Track nicht zur Ruhe kommen. Auch der zweite Song ist gekennzeichnet von Klavierarbeit, die man in dieser Form vielleicht von gruseligen Ego-Shootern kennen könnte. Im dritten Track folgt dann die wohlverdiente Rast für den Hörer. Anon, They Move scheint sich hier auf das Wesentlichste zu konzentrieren, die Ambient-Klanglandschaften werden nur kurz von 80er-Jahre Synthesizer Toms und Klavier unterbrochen, bis zaghafte Vocals ans Licht treten. Im Gegensatz zu den vorherigen Lieder ist die Atmosphäre im vierten Lied etwas fröhlicher. Das unbeschwerte Piano tanzt glücklich vor sich hin, ein nach Cello klingender Synthesizer versüßt die Stimmung durch aufgeweckte Melodien. Ähnlich dazu verhält es sich auch auf "7" und "3". Nur, dass der Cellosizer durch eine Panflöte und Glockenspiel ersetzt wird. Im letzten Song, der Nummer 1, kommen dann die bereits vermissten Toms wieder. Der Engländer versucht seine Kompositionen hier orchestral und mächtig klingen zu lassen. Mit etwas weniger Kitschig klingenden VST Instrumenten würde ihm dies auch staunenswert gelingen.
Auch wenn Sound- und Instrumentechnisch die Auswahl noch nicht perfekt getroffen wurde, ist The Passing Of A Spy Glass ein Album, das mit vielen, sehr tollen Momenten aufwartet. Voller kreativer Ideen und der perfekten Mischung aus Traurigkeit und Optimismus hat Craig Broad ein Werk geschaffen, das den Hörer immer wieder dazu zurückkommen lässt.

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Impulsive toms jump into the fray and start the newest mini-album by Anon, They move dramatically and imposingly. Captivated by inflaming piano-melodies, accompanied by drum-hits which return time and time again, one can not expect a breather. Craig Broad, who heads the burnthenation netlabel, besides his musical project, won't let his listener's come to a rest. The second songs is aswell characterized with piano work, which one might know from creepy ego-shooter games. The third track, however, offers the well-earned rest. Anon, They Move concentrates on the bottom of his sound, the ambient-soundscapes are interrupted by 80s Synthesizer Toms and piano only shortly, until faint-hearted vocals are brought to light. Contrary to the previous songs, the atmosphere of the fourth track is a little more uplifting. The jaunty piano is dancing along, a cello-sounding synthesizer sweetens the mood with bright melodies. Tracks "7" and "3" act in a similar way. Only, the Cellosizer is replaced by panpipes and glockenspiel. In the last song, number 1, the already missed toms reappear. The english-man tries to make his compositions sound orchestrally and mightfully. With a little less cheesy sounding VST instruments he would accomplish that impressingly.

Even if sound- and instruments-wise the choices have not been made perfectly yet, The Passing Of A Spy Glass is an album, which waits on the listener with loads of great moments. Full of creative ideas and the perfect mixture of sadness and optimism Craig Broad drafted a work, which will keep the listener coming back again and again.

Tracklist:
1. 4
2. 5
3. 6
4. 2
5. 7
6. 3
7. 1

Genre: Piano / Post Rock
(24:37)

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La Biblioteca Deserta - La Biblioteca Deserta (2008)

La Biblioteca Deserta sind eine Post Rock Band aus Italien. 5 junge Männer - allesamt etwas über 20 Jahren alt machen auf ihrer zweiten, selbstbetitelten Demo nichts falsch. Die Soundqualität, das Arrangement, die Leidenschaft die in der Musik steckt. Alles in allem scheint man La Biblioteca Deserta in der ein oder anderen Form dann doch schon mal gehört zu haben: das Schlagzeug entfernt sich nicht weit vom Standard-Post Rock- Stil; cleane Gitarren dringen brilliant und mit jede Menge Reverb aus den Verstärkern, während der Bass sich, Grundtöne dreschend, um das Fundament der meistens über 10 Minuten langen Songs kümmert. Trotz all dem klingen die Teile, in denen die Italiener richtig aufdrehen frisch und inspiriert. Da treten zum Teil Gitarrenphaser in den Mittelpunkt, die Band wirkt bodenständiger und geben hier dem Album doch die kleine eigene Note.

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La Biblioteca Deserta are a post rock band from Italy. 5 young men - all a bit over 20 years of age - do nothing wrong on their second, selftitled demo. The soundquality, the arrangement, the passion put into the music. But all in all it seems you might have heard La Biblioteca Deserta in one or the other way before: the drums don't depart far from the standard-post rock-style, clean guitars, with loads of reverb leak out of the amplifiers, while the bass - hammering the root notes - pays attention to the fundament of the mostly over 10 minutes long songs. Despite it all, the parts when the italians pump up the volume sound fresh and inspired. Guitar-phasers are centered, the bands seems down-to-earth and does not fail to give the album a little personal touch.

Genre: Post Rock
(47:01)
320 kBit/s

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A journey down the well - Sorry Monsters, I Have To Grow (2009)

Das Wachsen als menschliche Wesen
Vom verflixten zweiten Album.

Nach dem 2007 veröffentlichten The Funeral Album erscheint mit Sorry Monsters, I have to grow ein neues Album der Schweden A Journey Down the Well. Vielleicht ein kleines bisschen weniger pessimistisch und depressiv wie der Vorgänger, so ist auch das zweite Album immer noch nichts für Angsthasen, selbstmordgefährdete Jugendliche und deren besorgte Mütter oder für den alleinigen, nächtlichen Spaziergang durch den Wald.

Sugarman startet mit Vocals, die geradezu aus einem alten Horrorstreifen entnommen worden sein könnten. Dann mischt sich das Cello mit ein, alles steigert sich zum Höhepunkt hin, bis wieder, typisch für die Band, einsame Stimmen ertönen, die mehr an ein Flehen, als an Gesang erinnern. Ähnlich beginnt auch das Titelstück des Albums. Als jedoch die gespenstischen Chöre verstummen, dringen Klaviertöne ans Ohr, die Akkorde werden stetig bedrohlicher und lassen den Chor wieder zum Leben erwachen, der sich dann im dritten Song zu einem ergreifenenden Duett verwandelt, das mit der stoischen Ruhe des Cellos untermalt wird. A Journey Down the Well scheinen sich hier am wohlsten zu fühlen, sie zeigen in Momenten wie diesen eindrucksvoll, wie es einer Band mit simplen Mitteln gelingen kann, eine äußerst bedrückende Atmosphäre zu erzeugen. So empfindsam wie diese aufgebaut wurde, hält das darauffolgende, von einem Kriegsberichterstatter moderierte Interlude die Spannung an.

Die nächsten beiden Songs des Albums, das, so die Band, von brutalen Kriegen, der Unterdrückung der Persönlichkeit und dem Versuch als menschliches Wesen zu wachsen, das alle unnötigen Ängste zurücklässt, handelt, weisen die selbe Richtung auf. Klassische Instrumente liebäugeln mit dem Post Rock oder Experimental Genre, während der Gesang erneut klagend und trauernd aufkeimt. Der letzte, gut zehneinhalb Minuten lange Song aber, scheint besonders erwähnenswert. Anna Erneman , Martin Bjelfvenstam und Taner Torun experimentieren hier mit Ambient-Sounds und LoFi-Drums während sich die Streichinstrumente in ihrer beängstigenden Art darüber legen. Der perfekte Weg ein zweites Album abzuschließen, das förmlich schreit: Sorry Monsters, we HAVE grown.

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The growth as human beings
Of the blooming sophomore album.

After The Funeral Album, released in 2007, Sweden's A Journey Down the Well present their new album titled Sorry Monsters, I have to grow. While it may be a bit less pessimistic and depressingly sounding, their sophomore album is still unsuitable for cowards, suicidal juveniles and their puzzled mothers or the lone night-time walk through the woods.

Sugarman starts with vocals, that could have been taken directly from an old horrorflick. Then the cello interferes, everything builds up to the climax, until - typically for the band - lonely voices, which remind more of pleading than actual singing, resound. Also the title track begins similarly. When the ghastly choirs become silent though, tones from a piano reach the ears, the chords sound more threatening gradually, letting the choir finally come back to life. It is then transformed to a moving duet in the third song, accompanied by the stoic calm of the cello. It seems that A Journey Down the Well feel the most comfortable in moments like these, demonstrating impressively how a band can generate extremely burdensome atmosphere with relatively simple means. As sentimental as this atmosphere has been built, the subsequent interlude, moderated by a war correspondent strives to hold the tension.

The next two songs of the album, which - according to the band - is about brutal wars, oppression of personality and trying to grow as a human being while leaving all the unnecessary fears behind, hold the same direction. Classical instruments fancy with the post rock or experimental genre, while the vocals sprout moanfully and dolorously again. The last, a good ten and a half minutes long song however, seems particularly mentionable. Anna Erneman , Martin Bjelfvenstam und Taner Torun experiment with ambient sounds and LoFi-drums while the string bowed instruments, in their frightening style, lay ontop. The perfect way to end a sophomore album, that positively screams: Sorry Monsters, we HAVE grown.

Genre: Post Rock / Exerimental / Neo-Classical
(43:03)

Tracklist:
1. Sugarman
2. Sorry Monsters, I Have To Grow
3. I Will Never Become, What I’m Afraid Of
4. Bush Horror Movie Soundtrack (Some People Will Never Listen To Music Again)
5. Two Beautiful Swans In A Dirty Lake
6. Happy Bird Day
7. New Abandoned Places On Earth

Debut album: The Funeral Album can be downloaded for free at lastfm.

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